Una historia 6 / Glosario

En la última clase del curso di referencias de diccionarios, siempre útiles. Aporto aquí además un breve glosario de términos usados durante el curso que pueden ayudar a entender algunas cosas. Está ordenado alfabéticamente.

Aleatoriedad. Uso intencionado del azar en la composición y/o interpretación de una obra. Nace en la década de 1950 vinculada a la escuela de Nueva York, en la que militaron compositores como John Cage y Morton Feldman.

Projection II, partitura indeterminada de Morton Feldman

Ars Antiqua. Período de la música medieval, entre los orígenes de la polifonía (siglo XI) y las primeras décadas del siglo XIV. Incluye a la conocida como Escuela de Notre Dame.

Ars Nova. Período de la música medieval que ocupa básicamente el siglo XIV y se caracteriza por la aparición de nuevos procedimientos de notación y una mayor complejidad rítmica. Tuvo dos centros fundamentales, en Francia e Italia.

Ars Subtilior. Fase final del Ars Nova, a finales del siglo XIV y principios del XV, derivada de la extrema complejidad rítmica a la que llegaron algunos compositores vinculados al ars nova francés que desarrollaron una música de un alto carácter especulativo y experimental.

Atonalidad (o atonalismo). Ausencia de tonalidad. Aunque escribir música modal o con escalas pentatónicas queda también fuera de la tonalidad, el término se aplica habitualmente al tipo de música que empezaron a componer sistemáticamente los compositores de la Segunda Escuela de Viena desde 1909, usando los doce sonidos de la escala cromática sin ajustarse a las reglas del sistema tonal. A veces se habla de atonalidad (o atonalismo) libre para oponerlo a la música atonal escrita según el método dodecafónico.

Bajo continuo. Línea de bajo que realizan los instrumentos del continuo en el acompañamiento armónico de las obras durante el período barroco. Por norma, los compositores escribían como acompañamiento de la voz superior una voz de bajo en la que podían incluir unos números (por eso, se habla también de bajo cifrado) para orientar a los intérpretes sobre qué tipo de armonías tenían que desarrollar. Esto significaba que los intérpretes improvisaban, de acuerdo a unas normas de estilo conocidas, los acordes de acompañamiento en función de las dos líneas escritas: la superior (melodía principal) y la del bajo. En el bajo continuo se empleaban diversos tipos de instrumento, pero lo normal es que al menos hubiera un instrumento armónico (clave, órgano, tiorba, laúd, arpa…) y uno melódico (violonchelo, viola da gamba, fagot…) para la línea escrita de bajo, aunque podían reunirse muchos más.

Ballet de cour. Divertimento cortesano típico de la Francia de los siglos XVI y XVII. Se componía de una serie de entradas en las que se mezclaban la poesía, la danza y la canción. Su carácter era fundamentalmente alegórico. Se representaban con vestuario y escena y en él participaban los miembros de la aristocracia y de la propia familia real. Fue el punto de partida que tomó Lully para crear el modelo de ópera francesa.

Cantata. Género vocal típico del Barroco, que podía ser religioso o profano, con solistas y/o con coro, y que conoció diversas formas y estilos dependiendo de las épocas y los países en los que se cultivó.

Concierto. Uno de los géneros esenciales de la música instrumental desde el siglo XVII. En su origen no excluía la presencia de voces, y en el fondo el estilo concertante se refería a las distintas formas de tramar voces e instrumentos a principios del Seicento. En Italia se fueron definiendo tres tipos de conciertos básicos:
Concerto grosso. Un pequeño conjunto de instrumentos llamado concertino (que por norma eran dos violines y un violonchelo) dialogaba con un conjunto mayor llamado grosso, tutti o ripieno. A mediados de siglo era ya habitual en Roma, donde Alessandro Stradella lo utilizaba en el acompañamiento de sus obras vocales. Pero fue Corelli quien definió sus principales reglas y acabó convirtiéndose en el modelo a imitar. A mediados del siglo XVIII había ya pasado de moda. En el siglo XX, algunos compositores lo volvieron a emplear.
Concerto ripieno. Obra breve para conjunto de cuerdas con bajo continuo (a 4 o a 5 partes), sin solistas. En esencia, son como las sinfonías que se utilizaban como oberturas de las óperas y oratorios italianos. Aparecen por primera vez en la Op.5 de Giuseppe Torelli (1692) y están vigentes aproximadamente hasta 1740. Las sinfonías clásicas derivan en buena parte de ellos. Vivaldi escribió muchos conciertos de este tipo, algunos de gran riqueza contrapuntística y otros, más ligeros, que eran los destinados a las oberturas teatrales.
Concerto con solista (o solistas). Los primeros aparecen en la Op.6 de Torelli (1698). Son los que más éxito tuvieron, extendiéndose desde el Barroco hasta el siglo XX. Fue Vivaldi quien fijó su forma en tres movimientos (rápido – lento – rápido) y su estilo ritornello, según el cual los movimientos rápidos quedaban definidos por la alternancia entre un estribillo orquestal (el ritornello) y pasajes destinados a los solistas con acompañamientos de diverso tipo, todo ello según unas normas flexibles de modulación. El género fue evolucionando con las formas, y en el Clasicismo los primeros movimientos empiezan a adoptar formas sonata, que se extienden al mundo del Romanticismo. Si durante el Barroco el principal instrumento solista era el violín, con el Clasicismo y, sobre todo, con el Romanticismo, el principal protagonista pasará a ser el teclado, aunque se siguen escribiendo conciertos para todo tipo de instrumentos hasta nuestros días.

Concreta, música. Música construida mediante la modificación en estudio de grabaciones realizadas en ambientes naturales (entendido este concepto en sentido amplio). Está en la base de la aparición de la música electrónica y muy vinculada al uso del ruido en obras musicales y al surgimiento de todo el conglomerado de obras que se incluyen dentro del concepto de arte sonoro. Su origen está en los trabajos que Pierre Schaeffer y Pierre Henry hicieron en París desde 1948.

Conductus. Forma de la música medieval. En origen era un canto procesional monódico, pero también se hizo polifónico. La principal diferencia con el organum era que en el conductus la voz principal no procedía de un canto llano, sino que era inventada. Además el conductus podía ser de carácter profano.

Coral. Además de su significado convencional como adjetivo de coro o como sustantivo relativo a un conjunto (“la Coral de San Felipe Neri”, por ejemplo), el coral (ojo, en esta acepción es masculino) es la piedra angular de la música luterana. Nacido como himno litúrgico y pensado para que lo cantase la congregación, el uso del término pasó por varios momentos, adjudicándose en algunos casos a los poemas (era normal publicarlos en colecciones) y en otros a la música. Las melodías de coral se convirtieron en la base de la música religiosa luterana. Se incluían en todo tipo de obras (motetes, conciertos sacros o cantatas) con diversos tipos de tratamiento. El culmen del proceso es seguramente la cantata coral tal y como la desarrolló Bach, que no se llama “coral” porque estuviera destinada a un coro, sino porque incluía siempre números que eran melodías de coral armonizadas de diversas formas.

Cromatismo. Uso de intervalos cromáticos en un contexto diatónico, es decir, de notas que están fuera de la escala de referencia. En la segunda mitad del siglo XIX se exacerbó su uso, lo que condujo a la disolución progresiva del sistema tonal.

Dodecafonismo. Método de composición basado en la ordenación serial de las doce notas de la escala cromática según un orden fijado previamente y que exige que ningún tono se repita hasta que hayan aparecido todos los demás. Las series pueden usarse en cuatro posiciones: original, retrogradada, invertida, retrogradada invertida. También se llama serialismo.

Posiciones de las series en la música dodecafónica

Electroacústica. El término remite a obras creadas con medios electrónicos. Suele considerarse El canto de los adolescentes de Stockhausen, realizada en los estudios de la Radio de Colonia en 1953, la primera obra electrónica de la historia, aunque en realidad le anteceden las obras de música concreta.

Escala cromática. Escala formada por las doce notas básicas de la música occidental, todas separadas por semitonos (teclas blancas y negras de un piano dentro del ámbito de una octava).

Escala diatónica. Escala formada por siete notas diferentes dentro de una octava, que incluye cinco tonos y dos semitonos. Su modelo básico se construye a partir del do mediante la sucesión de las notas naturales do – re – mi – fa – sol – la – si (teclas blancas de un piano).

Escala pentatónica. Escala de cinco sonidos dentro de una octava. Es característica de algunas tradiciones folclóricas: A finales del siglo XIX fueron especialmente difundidas las de extremo oriente, lo que influyó en la obra de Debussy y otros compositores a principios del siglo XX.

Forma sonata. La forma por excelencia de la música del Clasicismo y del Romanticismo. Evolución de las formas binarias barrocas, aparece a mediados del siglo XVIII y se convirtió en un vehículo ideal para el trabajo de modulación de los compositores. Por norma, todas las grandes obras clásicas (sinfonías, sonatas, conciertos, cuartetos, etc.) se abren con un movimiento en forma sonata. En la forma sonata dos temas contrastados tonal y expresivamente se presentan, se desarrollan y se reexponen siguiendo una serie de reglas. En el siguiente vídeo se explica con claridad qué es una forma sonata a partir del movimiento inicial de la Sinfonía nº29 de Mozart.

Fuga. Procedimiento de contrapunto imitativo por el que un tema se expone sucesivamente en todas las voces de la textura polifónica (lo más habitual es que sea a tres o cuatro voces), siguiendo un esquema básico de exposición, episodio y sección final. También, obras escritas siguiendo este procedimiento.

Homofonía. Tipo de textura polifónica en que las voces se mueven simultáneamente creando acordes y habitualmente con el mismo ritmo (se habla también por eso de homorritmia).

Textura homofónica en una obra del compositor inglés Thomas Tallis (c.1505-1585)

Indeterminación. Ver Aleatoriedad.

Lied. En alemán, significa literalmente canción, pero suele aplicarse muy especialmente a la canción de cámara con piano desarrollada desde finales del siglo XVIII y que conoció su mayor esplendor durante el Romanticismo. A finales del siglo XIX empezó a hacerse relativamente normal el género del lied con acompañamiento orquestal. El plural de lied es lieder.

Madrigal. Una de las formas del Ars Nova italiano. Estaban escritos a 2 o a 3 voces.
En el siglo XVI, el madrigal fue la forma básica de la canción italiana. Desarrollado a partir de la década de 1520, en su origen se encuentran distintos géneros previos, como la frótola, un género cortesano de la Italia de finales del siglo XV, y la canción lírica parisina. El madrigal renacentista empezó estando escrito a 4 voces, pero en su momento clásico, a partir de c.1560, lo normal es que estuviera a 5. En el siglo XVII el madrigal polifónico fue desapareciendo poco a poco, por el desarrollo de las monodias acompañadas y la aparición de la cantata.
No existe una línea de continuidad entre el madrigal medieval y el renacentista. Son en esencia géneros diferentes, sin parentesco directo.

Masque. Divertimento cortesano característico de Inglaterra durante los siglos XVI y XVII, mezcla de recitación poética, danza, canciones, mimo… Solía tener argumento mitológico y alegórico, se presentaba con vestuarios y escena en grandes salones nobiliarios o de la realeza (no en teatros) y en él participaban los propios aristócratas y miembros de la familia real.

Mélodie. La canción francesa desarrollada durante el siglo XIX, equivalente del lied alemán. Como este, lo normal era que llevara acompañamiento pianístico, aunque también las hubo orquestales.

Modos eclesiásticos (o gregorianos). Cada uno de los ocho modos utilizados en la clasificación del canto gregoriano según el Micrologus, un tratado escrito en torno al año 1000 por Guido d’Arezzo. Cada modo se define por su nota final, la relación interválica del resto de notas con esta final y el ámbito, es decir, la extensión de una escala marcada por la distancia que separa el tono más grave del más agudo. Es la base del sistema modal, que venía preparándose ya desde unos siglos atrás y domina la música occidental hasta principios del siglo XVII, cuando empezó a ser sustituido por el sistema tonal. La armonía modal es característica del folclore de muchas regiones y por eso desde la segunda mitad del siglo XIX hubo compositores que recurrieron a ella de diferentes formas.

Modulación. Cambio de tonalidad en el desarrollo de una obra.

Monodia. Composición musical para una sola voz.

Monodia acompañada. Textura en la que una voz superior es acompañada en acordes por instrumentos. Característica de la música profana italiana de la primera mitad del siglo XVII. En torno a ella se construyó el primer estilo de la ópera.

Motete. En la Edad Media, cuando aparece, era una composición breve, en origen sacra, pero que en el siglo XIII era ya preferentemente profana, en la que a una melodía de canto llano a la que se llamaba tenor se le añadían una o dos voces superiores. Era normal que cada voz llevara un texto diferente, a veces en idiomas también diferentes (latín y francés). Desde el Renacimiento, se convirtió en una obra polifónica religiosa, aunque no litúrgica, y perdió su carácter politextual. Desde entonces ha quedado asociado a la música sacra, presentando formas diferentes según la evolución del estilo.

Obertura. Pieza instrumental que abre por norma una obra vocal, habitualmente de carácter teatral. Acabó independizándose y en el siglo XIX fueron normales las oberturas como piezas sinfónicas de concierto.
Durante el Barroco, se desarrollaron dos estilos fundamentales de obertura:
La obertura italiana estaba escrita en tres tiempos (rápido – lento – rápido) y era breve y de carácter ligero. Era un tipo de concerto ripieno (ver Concierto). Tuvo gran importancia en la aparición de la Sinfonía. Y de hecho era normal que tuviera esa denominación.
La obertura francesa se abría con una sección lenta, escrita con ritmos binarios con puntillo, de gran solemnidad, a la que seguía una segunda sección rápida, fugada y de ritmo ternario. Al final solía reaparecer de algún modo la primera sección, aunque no completa. En algunos casos, se incorporaba también al final una danza. En Alemania, una pieza de este tipo abría las suites orquestales, que por eso muchas veces son conocidas como oberturas o suites-oberturas.

Oratorio. Obra dramática de carácter religioso que normalmente no era representada escénicamente. Toma su nombre de la orden del Oratorio de San Felipe Neri. El género nace a principios del siglo XVII, coincidiendo con el arranque de la ópera. A veces, se considera la Rappresentatione di Anima, e di Corpo de Emilio De’ Cavalieri el primer oratorio de la historia, aunque esta sí fue una obra representada con vestuario, actores y escena. El género tuvo una evolución compleja y fue adaptándose estilística y formalmente a la época y los lugares donde se usó. Aunque en principio, los oratorios, arma contrarreformista, estaban en lengua vernácula, en Italia también se escribieron oratorios latinos, en los que destacó Carissimi. Poco a poco, desde la segunda mitad del XVII los oratorios empezaron a converger formalmente con las óperas, adoptando los recitativos y arias típicos de las obras teatrales. En Londres, Haendel creó a partir de la década de 1730 un tipo muy particular de oratorio inglés en el que el coro cobró especial relevancia.

Organum. Uno de los primeros géneros polifónicos de la música occidental. Consistía en añadir a un canto llano una voz paralela con funciones ornamentales (vox organalis), que se situaba a una cuarta, una quinta o una octava de distancia. Las voces podían doblarse, dando como resultado organa a tres y cuatro voces.

Poema sinfónico. Obra orquestal sin forma definida, normalmente en un solo movimiento (aunque puede tener secciones bien apreciables), y sujeta a un previo programa literario. Su invención suele atribuirse a Liszt. Uno de sus más célebres frecuentadores fue Richard Strauss.

Polifonía. Composición musical para dos o más voces simultáneas.

Politonalidad. Uso simultáneo de dos o más tonalidades en una obra.

Semiópera. Género teatral inglés que incluye obras en las que las partes habladas eran tan extensas como las musicales. Por norma, se trataba de obras de teatro hablado que incluían en cada acto una gran masque, cuyo argumento tenía algo que ver alegórica o simbólicamente con la obra en la que se incrustaba, pero no existía entre ellas continuidad. Fue característico del siglo XVII. En el XVIII, con el éxito al fin de la ópera italiana, pasó de moda. Henry Purcell compuso música para algunas de las más conocidas.

Serialismo. Ver Dodecafonismo.

Serialismo integral. Sistema de composición desarrollado a finales de la década de 1940 en el que no sólo los tonos (como en el dodecafonsimo o serialismo) son ordenados en series, sino también otros parámetros musicales (dinámicas, ritmos, duraciones, ataques…). La primera obra musical así compuesta fue un estudio de ritmo de Olivier Messiaen: Mode de valeurs et d’intensités (1949). En este vídeo se explican los parámetros que Messiaen ordenó en series:

Sinfonía. Aunque el término se usó durante el Barroco para designar a las oberturas de las óperas italianas o como números introductorios de algunas obras vocales, esencialmente se trata de una obra para orquesta que apareció en el siglo XVIII y que se fue consolidando como el género esencial de la música clásica al articularse por norma en cuatro movimientos de los cuales el primero estaba siempre en forma sonata.

Singspiel. Género de ópera cantado en alemán en el que se mezclaban partes musicales con partes habladas. Era corriente el uso de canciones de corte popular en lugar de las más elaboradas arias de origen italiano, aunque en las grandes obras de Mozart (El rapto en el serrallo, La flauta mágica), Beethoven (Fidelio) o Weber (El cazador furtivo) podían aparecer piezas vocales de los dos tipos. Aunque sus antecedentes están en el siglo XVII, su época dorada es la segunda mitad del XVIII y los primeros años del XIX.

Sonata. Como género, es un tipo de composición instrumental que nace con la Italia del Barroco y que acabará convirtiéndose en esencial durante el Clasicismo. Partiendo de los modelos de la música vocal, en su evolución a lo largo del siglo XVII se fue seccionando en movimientos y cerrando formal y armónicamente. El tipo de sonata más difundido durante el barroco fue la conocida como sonata en trío, con dos voces agudas (en la mayor parte de los casos, encargadas a dos violines) dialogando sobre un bajo continuo. Durante el período clásico-romántico fueron especialmente importantes las sonatas para teclado, aunque también fueron corrientes las sonatas escritas para un instrumento melódico (violín, violonchelo, flauta…) con acompañamiento de piano. Fue pieza básica en la consolidación del sistema tonal.
Como forma, ver Forma Sonata.

Suite. Agrupación de danzas en la misma tonalidad. Desarrollada fundamentalmente por los instrumentistas compositores franceses del siglo XVII, tuvo también gran desarrollo en Alemania, especialmente las dedicadas al clave y a la orquesta. Las cuatro danzas más habituales de la suite en su período clásico fueron allemande, courante, sarabande y gigue, así ordenadas.

Textura. Forma en que se traman las diferentes voces de una composición musical. Así, por ejemplo, un responsorio en canto llano es una obra que presenta una textura monódica; una misa de Josquin, una textura polifónica; el Taedet animam meam del Requiem de Victoria, una textura homofónica; el Amarilli mia bella de Caccini, una textura de monodia acompañada.

Tonalidad. Sistema caracterizado por una determina organización jerárquica de los sonidos a partir de uno fundamental llamado tónica. El sistema tonal se organiza en dos modos (mayor y menor), cada uno de los cuales tiene doce escalas, que se forman a partir de cada una de las notas de la escala cromática. Se fue desarrollando a lo largo del siglo XVII en sustitución del sistema modal, se consolidó en el XVIII y estuvo plenamente vigente hasta principios del siglo XX cuando se fue disolviendo por efecto del cromatismo que operaba dentro de las reglas del sistema.

Voz. Además de la obvia referencia al instrumento vocal humano, en música una voz es una parte musical. Así, por ejemplo, se dice que un cuarteto de cuerda es una composición a cuatro voces.