Tradición y modernidad en la música religiosa católica. La policoralidad

Dediqué la clase de hoy a explicar cómo, más allá de las innovaciones que se difundieron a principios del siglo XVII y que ya hemos visto (la monodia acompañada, el bajo continuo, el estilo concertante…), en la música que se escuchaba en la época en las iglesias católicas dominaban las tradiciones del pasado, más o menos puestas al día.

De la música en los conventos femeninos al fabordón del Miserere de Allegri, el semiimprovisado contrapunto alla mente o el uso del canto a capella (Benevoli, como cultivador de motetes para muchos coros) fui acercándome a la policoralidad de la escuala veneciana de los Gabrieli. terminé con el último acercamiento a las Vespro de 1610 de Monteverdi y su uso de la polifonía y los múltiples coros.

Usé este DVD para acercarme a las Vísperas de Monteverdi

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: AyM3/22

Roma, capital del mundo

Hoy hemos hablado del arte y la música en Roma al inicio del siglo XVII.

Yo he partido de la Rappresentatione di anima, et di corpo de Emilio De’ Cavalieri para ver cómo las nuevas formas concertantes y monódicas pentraron en el mundo de la música religiosa igual que lo hicieron en el de la profana, y ello teniendo en cuenta que en la ciudad seguía dominando la prima prattica. Lo he visto a través de la Missa de 1610 de Monteverdi. He usado sus Vísperas como muestrario variado de las distintas posibilidades de empleo de las nuevas formas en los templos.

A través de los conciertos sacros y la figura de Lodovico Da Viadana he terminado en el oratorio, su función didáctica y la excepcionalidad de los oratorios latinos de Carissimi.

Me ha ayudado este mítico DVD grabado en San Marcos de Venecia en 1989.

Aquí el resumen de Javier:

16 – Roma, capital del mundo

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: AyM3/16

Dúos de amor, cuando la ópera arde

Cinco dúos de amor.

De eso ha ido la clase de hoy.

Eurímaco y Melanto. [Monteverdi]
Giustina y Flaminio. [Pergolesi]
Sansón y Dalila. [Saint-Saëns]
Romeo y Julieta. [Gounod]
Tristán e Isolda. [Wagner]

Estos devedés nos dieron la base:

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: Op3/13

Monteverdi y la ópera cortesana

Hemos recordado todo lo que en su momento hablé de la Camerata Fiorentina antes de meternos a analizar el estilo del nuevo género operístico, que para nosotros nace virtualmente con la Euridice de Peri. Me he detenido especialmente en ver las distintas formas del estilo recitativo: narrativo, expresivo y especial, en clasificación de Giovanni Battista Doni , propuesta cuarenta años posterior a su uso por Peri y los músicos de su entorno.

Pero obviamente el centro de la clase ha sido el Orfeo de Monteverdi, que he tratado de singularizar centrándome especialmente en la forma extraordinaria en la que el compositor logró una unidad por completo nueva con todos los elementos que tenía a su disposición en la época.

He seguido luego brevemente cómo la ópera cortesana se desarrolló en Florencia en las figuras de Marco Da Gagliano y Francesca Caccini y cómo se implantó en Roma bajo presupuestos novedosos en la figura de Stefano Landi.

Nos han ayudado estos devedés:

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: AyM3/14

El Concierto de Monteverdi: 400 años

Hoy he recordado el cuarto centenario de la publicación del Libro VII de madrigales de Claudio Monteverdi, significativamente titulado Concerto.

He empezado haciendo una introducción sobre el término madrigal aplicado en música, con su doble significado, como una de las formas fijas del ars nova italiano (Siglo XIV) y como la gran forma profana de la música vocal italiana del Renacimiento. Luego he presentado la figura de Monteverdi, sus libros de madrigales y su famosa polémica con Artusi.

Finalmente he hecho un amplio repaso por el Concerto, terminando, cómo no, con el Ballo de Tirsi e Clori.

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: Mús10/14

La monodia acompañada y el madrigal

He empezado hablando de textura musical, para aprender a distinguir entre:
-Monodia.
-Monodia acompañada.
-Homofonía.
-Polifonía.

He seguido con un recordatorio sobre el mundo madrigalístico del siglo XVI y sus grandes protagonistas.

Luego he roto algunos malentendidos que suelen producirse al tratar de separar radicalmente el universo del madrigal polifónico renacentista del mundo del Barroco. En realidad, la crisis del madrigal polifónico no llega en 1600, sino en 1620.

Gesualdo y su magistral Moro, lasso, al mio duolo, me ha servido para avanzar algunos de los cambios que estaban afectando a la forma madrigalística a comienzos del Seicento. He profundizado en esos cambios lanzando una mirada a los ocho libros de madrigales de Monteverdi, haciendo una parada en la polémica con Artusi y profundizando especialmente en los Libros VI a VIII.

Finalmente, he saltado al mundo de las nuevas composiciones para voz sola, a partir de la edición en 1602 de Le Nuove Musiche de Giulio Caccini, he recordado la figura de Sigismondo D’India y he mirado cómo, a través de la canzonetta seria, el madrigal acabaría derivando en la cantata.

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: AyM3/12

El altar y el trono. Una introducción al Barroco

19 - el altar y el trono 1

Hoy hemos hecho una introducción general a la cultura del Barroco. “El Barroco es el arte de la representación. Trata de representar al mundo no en su realidad objetiva sino como cosa percibida.” A partir de esta famosa definición de Heinrich Wölfflin he repasado los nuevos ideales musicales que nacen de la invención simultánea de la armonía tonal y del melodrama, la consideración de la música como un lenguaje perfectamente racional que permitía calcular los efectos que se causaban en el oyente y el potencial manipulador de las emociones que eso traía consigo, tan bien representado por la teoría de los afectos que los tratadistas alemanes desarrollaron a principios del siglo XVIII, pero que estaba ya en Monteverdi.

20 - el alter y el trono 2

He terminado con un breve acercamiento sobre los medios musicales con los que se materializó ese cambio de ideales y sobre las nuevas realidades que trajeron consigo, incluido el desarrollo pleno de la independencia instrumental y la aparición de los estilos nacionales.

He usado este DVD

21 - l'orfeo - jacobs

Aquí el resumen de la parte de Javier:
11 – El altar y el trono (8-01-19)

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: AyM3/11

Don Juan, un mito para la música

14 - Don Juan 1

Hoy he hablado de Don Juan.

Ya que en la encuesta que paso a principios de curso, muchos alumnos habían mostrado interés por la orquesta y los instrumentos, he empezado haciendo en cualquier caso un acercamiento al mundo de la orquesta: sus antecedentes en época barroca (para lo cual he usado ese documento excepcional de la edición de L’Orfeo de Monteverdi en 1609, con la famosa tavola que incluye la instrumentación de la obra), su aparición de una forma ya reconocible para nosotros durante el Clasicismo y su transformación a lo largo del siglo XIX.

Había interés por la disposición de las familias instrumentales en la escena y he puesto ejemplos de cómo los instrumentos de cuerda pueden variar, incluso en conciertos de una misma orquesta y con una misma obra (los ejemplos están en el canal de youtube). He tomado para ello el Don Juan de Richard Strauss, que luego hemos visto completa en esta interpretación de Christoph von Dohnányi al frente de la Orquesta de la NDR.

En el destripamiento de la obra de Strauss me ha ayudado esta tesina de Kristýna SedlákováEl personaje de Don Juan como inspiración de compositores musicales

Además del poema sinfónico straussiano y de un breve recorrido por hitos de la literatura y de la ópera dedicados al personaje, he presentado también el Don Juan de Gluck y el de Gazzaniga antes de entrar en el más importante, sin ninguna duda, de la historia de la música: el de Mozart / Da Ponte. He puesto ejemplos a partir de la producción de Jonathan Kent para Glyndebourne 2010.

Además del DVD de Mozart he usado también un Blu Ray bachiano mientras hablaba de la orquesta en el Barroco.

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: Mús10/03

Presentación del décimo curso de Música

01 - Presentación Música

Arrancamos esta mañana el X Curso de Apreciación y Disfrute de la Música Clásica.

02 - Programa general 2010Fue en enero de 2010 cuando empezó esta aventura con una clase en la que traté de convencer a los presentes de que conocían mucha más música clásica de la que pensaban. Me fui al cine y a la publicidad para mostrar la presencia cotidiana de la clásica en nuestras (sus) vidas. Pasados más de ocho años me ha hecho ilusión comprobar que, en una clase llena a rebosar, aún pudiera ver levantadas cinco manos cuando pregunté quiénes estuvieron presentes y se acordaban de aquella otra clase del 12 de enero de 2010 (Ana, Antonio, Antonio, Araceli, Demetria, gracias; y a Javier por proponérmelo y a Lupe por darme la oportunidad, por supuesto).

03 - Cadena perpetuaEmpecé la clase partiendo de aquella otra de hace ocho años con la famosa escena del tocadiscos de Cadena perpetua (The Shawshank Redemption se tituló el original de Frank Darabont, 1994). He puesto en el canal de youtube el fragmento que he encontrado, aunque en clase vimos la escena completa, incluida la vuelta de Andy al comedor de la prisión, cuando se le oye hablar por primera vez de “esperanza”. Luego he seguido con uno de los anuncios que vimos también en 2010, uno de Fiat que se hizo en Argentina en 1993, en el que sobre la imagen del coche circulando sonaba el Nessum dorma en la interpretación, en aquel entonces popularísima, de Pavarotti. Todo para insistir en algunas de las cosas que tantas veces he repetido este tiempo, el poder evocativo de la música y su capacidad para manipular nuestras emociones.

He partido luego de un cuadro que Rafael Sanzio pintó en 1514 para la iglesia de San Giovanni in Monte de Bolonia, una Santa Cecilia en éxtasis. Esta:

04 - Rafael - Santa Cecilia

Partiendo del análisis del cuadro que Bernard Sève hace en un libro que publicó en España Acantilado antes del verano (El instrumento musical. Un estudio filosófico), que he añadido a la Bibliografía que puede descargarse en PDF a la derecha, me he acercado a los prejuicios acerca de la práctica musical que conectaban a los pitagóricos y su armonía de las esferas con los neoplatónicos puestos de moda gracias a Marsilio Ficino por la fechas en la que Rafael hizo esta obra, obra que desvela un notable desprecio hacia la musica instrumentalis de la que habló Boecio.

05 - Boecio.jpg

Fue sólo el punto de partida para un recorrido por las mil formas que tiene el arte de la música de asaltarte, del esplendor del arte instrumental ya en el siglo XVII (el Biber de Lina Tur Bonet está en el canal de youtube) al de la orquesta de Berlioz, de las fibras que conectan al Monteverdi de las Vespro de 1610 (también en youtube) con el que filmó Chantal Akerman a Sonia Wieder Atherton ya en 2003, de la asombrosa exhibición en la marimba de una percusionista ¡sorda! al deslumbramiento por esta joya de Vadim Kholodenko con un ground de Purcell.

La última media hora, más o  menos, de la clase me sirvió para hacer una presentación somera de la temporada música sevillana. Me centré en la programación del Maestranza, de la Sinfónica de Sevilla, y del ciclo La Europa de Murillo que empieza mañana. Además del de la película de Darabont, usé en la clase estos devedés:

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: Mús10/01