Masques y fantasías en la Inglaterra de los primeros Estuardo

Hoy hemos hecho un repaso por la música en la Inglaterra de la primera mitad del siglo XVII, la Inglaterra postisabelina, un país que no tenía ni la riqueza ni los recursos demográficos de las otras monarquías nacionales o del Imperio, pero que forjó una tradición musical de extraordinaria riqueza que se vio perturbada de forma gravísima con el estallido de la Guerra Civil a mediados de siglo y el establecimiento del régimen de Cromwell.

La música inglesa creció en el siglo XVII a fuerza de influencias foráneas y de tradiciones propias. La música de laúd se afrancesó y eso significó la importación del style brisé, pero en los años 20 el laúd había empezado a pasar de moda en los ámbitos privados y fue sustituido por el virginal en el que se cultivaron todo tipo de repertorios, pero florecieron las fantasías al mismo nivel de complejidad contrapuntístico que tenían obra similares en el continente. Con todo, la primera mitad del siglo XVII en el ámbito instrumental en en Inglaterra la época del consort de violas.

Llegadas de Italia el siglo anterior, en las violas se crearon tradiciones genuinamente inglesas.

Como las que germinaron en la música religiosa a través de los anthems, que no dejaron de todos modos de presentar importantes influencias italianas, que llegaron a través del madrigal.

Finalmente nos acercamos al universo de la masque, como el espectáculo teatral con música por excelencia de la realeza y la aristocracia británicas.

Nacidas también en el XVI y también por influencias italianas, las masques irían ganando en contenido dramático a lo largo del siglo XVII a la vez que se hacían más propagandísticas desde el punto de vista político. La masque resistió con fortaleza y como parte esencial de la tradición británica a los primeros embates de la ópera italiana. Pero esa es otra historia que será contada cuando toque.

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: AyM3/25

Heinrich Schütz y la música en el Imperio durante la Guerra de los Treinta Años

Me he acercado hoy a la música en la Alemania de la Guerra de los 30 años. El flujo del peso musical viró con el Barroco de dirección: ahora llegaba del sur, desde Italia. Las influencias italianas se dejaron sentir especialmente en los estados católicos, especialmente allí donde reinaban los Habsburgo, pero los protestantes no se vieron libres de ese poderoso influjo, como muestran las tres S de la música centroeuropea del período: Schein, Scheidt y Schütz. Hablé de su música sacra, de la importancia del coral, del peso de la policoralidad de origen veneciano y de los conciertos sacros.

Después dediqué unos minutos a la música instrumental: al desarrollo de la escuela de órgano en la que tanto tuvo que ver la música de Sweelinck, en el clave y las suites en las que fue un maestro Froberger y finalmente en la música para conjunto instrumental que asumiendo todas las tradiciones recientemente forjadas en Italia (canzonas, sonatas…) viraba lenta pero segura hacia el stylus phantasticus. Acabé finalmente hablando de las canciones monódicas que tanto cultivó Heinrich Albert.

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: AyM3/23

Tradición y modernidad en la música religiosa católica. La policoralidad

Dediqué la clase de hoy a explicar cómo, más allá de las innovaciones que se difundieron a principios del siglo XVII y que ya hemos visto (la monodia acompañada, el bajo continuo, el estilo concertante…), en la música que se escuchaba en la época en las iglesias católicas dominaban las tradiciones del pasado, más o menos puestas al día.

De la música en los conventos femeninos al fabordón del Miserere de Allegri, el semiimprovisado contrapunto alla mente o el uso del canto a capella (Benevoli, como cultivador de motetes para muchos coros) fui acercándome a la policoralidad de la escuala veneciana de los Gabrieli. terminé con el último acercamiento a las Vespro de 1610 de Monteverdi y su uso de la polifonía y los múltiples coros.

Usé este DVD para acercarme a las Vísperas de Monteverdi

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: AyM3/22

Esplendores cortesanos. Las artes en Francia en la primera mitad del siglo XVII

Hoy hemos hablado de arte y música en la Francia de la primera mitad del siglo XVII. El peso de la propaganda gravitaba sobre el principal espectáculo cortesano de finales del XVI, el del ballet de cour. He partido de él para acercarme a la importancia que iba a adquirir la danza en la cultura francesa, y lo he hecho con referencia a uno de los primeros tratados coreográficos de la historia, la Orchésographie.

En el horizonte, el universo de la suite y, con él, el gran desarrollo de la música instrumental para solistas.

Luego me he acercado a los principales géneros de la música vocal, tanto profanos (el air de cour) como sacros (motetes, que iban a empezar su disociación en petit et grand motet, que dominará luego desde la época de Luis XIV).

Aquí el resumen de Javier:

21 – Esplendores cortesanos (19-03-19)

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: AyM3/21

Cambios para las clases de 12 y 13 de marzo

Un viaje en principio no previsto nos obliga a introducir algunos cambios en las clases de los próximos días 12 y 13 de marzo, martes y miércoles de la próxima semana. Los cambios afectan a los tres cursos de esos días y son los siguientes

Martes 12

X Curso de Apreciación y Disfrute de la Música Clásica. La duración de la clase se acorta media hora. Empezaremos como siempre a las 10, pero terminaremos a las 11.30.

Arte y Músicas 3: Manierismo y Barroco. La clase prevista, que daba yo (Tradición y modernidad en la música religiosa católica. La policoralidad) se cambia por la que Javier iba a dar el día 26 (Triunfo y difusión de la plástica barroca. Pintura en Flandes e Inglaterra: Rubens y Van Dyck).
Esto significa que las tres próximas semanas, el programa queda así:
12-marzo. Triunfo y difusión de la plástica barroca. Pintura en Flandes e Inglaterra: Rubens y Van Dyck. [JRB]
19-marzo. Esplendores cortesanos. Las artes en Francia en la primera mitad del siglo XVII. [JRB / PJV]
26-marzo. Tradición y modernidad en la música religiosa católica. La policoralidad. [PJV]

Miércoles 13

Arte y Músicas 5: La era de la Ilustración. Mi clase en principio prevista (Haydn y el cuarteto de cuerdas) se cambia por la que Javier iba a dar el día 20 (Las poéticas del XVIII. Entre las ruinas y Oriente (I)). Esto estaba ya incorporado en el programa revisado que está colgado en el blog y que Javier entregó ayer en clase.
Las dos próximas semanas de clase quedan pues así:
13-marzo. Las poéticas del XVIII. Entre las ruinas y Oriente (I) [JRB]
20-marzo. Haydn y el cuarteto de cuerdas. [PJV]

Disculpen las molestias.

El desarrollo de la música instrumental: de la canzona a la sonata

Hoy hemos hablado del desarrollo de la música instrumental en la primera mitad del siglo XVII. Arranqué con un recordatorio del impulso que la imprenta musical dio a la escritura de música instrumental.

Aunque el objeto de la clase era empezar a recorrer el camino de los conjuntos, empecé por el laúd y la tecla, en Inglaterra y Holanda, antes de centrarme en la gran figura de la música instrumental de la época, Girolamo Frescobaldi, cuyo tratamiento de los diversos géneros en su música organística marcaría también la evolución de las obras para conjunto.

El objetivo era llegar hasta el violín y centrarme en el desarrollo que conoció en el norte de Italia. La introducción del bajo continuo propició la progresiva independencia de las voces superiores y la aparición de las formas esenciales del estilo instrumental, singularmente las sonatas en trío. El estilo suelto, lírico y espontáneo de los italianos del norte parece culminar en Marco Uccellini. Tras él, llegarían los fantásticos, pero esa será otra historia.

LISTA DE REPRODUCCIÓN EN SPOTIFY: AyM3/17